musicontv

 좋아하는 노래를 들을 때 우리는 무엇을 가장 먼저 들을까. 아마 대부분은 가수의 목소리일 것이다. 그다음은 쉽게 따라 부를 수 있는 멜로디다. 그런데 오늘은 조금 이상하게 음악을 들어보려고 한다. 가수의 목소리를 애써 따라가지 말고, 음악의 아래쪽에서 들리는 낮은 소리를 찾아보자. 바로 베이스다. 처음에는 이런 생각이 들 수도 있다. “베이스가 어디 있지?” 괜찮다. 오히려 정상적인 반응에 가깝다. 평소 우리는 베이스를 의식해서 듣지 않는 경우가 많기 때문이다. 그런데 한번 베이스가 들리기 시작하면 재미있는 일이 벌어진다. 수십 번 들었던 노래가 이전과 조금 다르게 들린다. 베이스는 왜 잘 안 들릴까 노래에는 사람의 목소리, 기타, 피아노, 드럼, 신시사이저 등 여러 소리가 동시에 들어 있다. 그중 사람의 귀는 자연스럽게 보컬이나 선명한 멜로디에 관심을 빼앗기기 쉽다. 반면 베이스는 낮은 음역에서 음악 전체를 받쳐주는 경우가 많다. 그래서 베이스를 의식하지 않고 음악을 들으면 “뭔가 음악이 꽉 차 있다.” “리듬이 좋다.” “이 부분에서 분위기가 바뀌었다.” 라고 느끼면서도 그 느낌에 베이스가 얼마나 관여하고 있는지는 알아차리지 못할 수 있다. 베이스는 존재감을 과시하기보다 음악 아래에서 다른 악기들과 관계를 만드는 경우가 많기 때문이다. 오늘은 베이스 음을 맞히지 않아도 된다 여기서 음악 공부를 어렵게 만들 필요가 없다. “지금 베이스가 C를 연주했나? G를 연주했나?” 처음부터 이런 것을 맞힐 필요가 없다. 오늘 할 일은 훨씬 간단하다. 낮은 소리를 찾아보는 것이다. 이어폰이나 헤드폰을 끼고 익숙한 노래 한 곡을 틀어보자. 그리고 가수의 목소리 뒤에서 둥― 둥둥― 둥― 하고 움직이는 낮은 소리를 찾아본다. 처음에는 음의 높이보다 리듬을 따라가는 것이 쉽다. 손가락으로 책상이나 무릎을 두드리면서 베이스가 소리를 내는 순간을 따라가 본다. 어느 순간부터 하나의 선이 들리기 시작할 것이다. ...

 우리는 하루에도 수많은 음악을 듣는다. 자동차 안에서 음악을 듣고, 카페에서도 듣고, 운동하면서도 듣는다. 일을 할 때는 음악을 틀어놓기도 하고 잠들기 전에는 좋아하는 곡을 다시 찾기도 한다. 그런데 이상한 일이 있다. 같은 곡을 들어도 어떤 사람은 “노래 좋다” 정도에서 끝나지만, 어떤 사람은 베이스가 움직이는 순간을 발견하고, 드럼의 작은 변화에 반응하며, 화성이 바뀌면서 분위기가 달라지는 지점을 알아챈다. 음악적 재능의 차이일까. 반드시 그렇지는 않다. 음악을 깊게 듣는 데 중요한 것은 얼마나 많은 음악이론을 알고 있느냐보다 ‘어디에 귀를 두고 듣느냐’에 가깝다. 오늘부터 음악을 조금 다르게 들어보자. 평소 좋아하던 노래 한 곡이면 충분하다. 음악을 ‘듣는다’는 것은 생각보다 복잡하다 좋아하는 노래를 한 곡 떠올려보자. 우리는 보통 가장 먼저 보컬과 멜로디를 기억한다. 흥얼거릴 때도 멜로디를 따라 부른다. 그래서 자연스럽게 음악의 중심이 멜로디라고 생각한다. 하지만 실제 음악 안에서는 여러 요소가 동시에 움직이고 있다. 멜로디가 있고, 그 아래 베이스가 움직인다. 드럼이 시간을 만들고, 코드가 분위기를 결정한다. 피아노와 기타, 현악기, 신시사이저 등의 음색이 공간을 채운다. 심지어 아무 소리가 나지 않는 순간도 음악의 일부다. 그래서 한 곡을 깊게 듣는다는 것은 음악 전체를 한꺼번에 이해하려는 것이 아니다. 오히려 전체 속에 숨어 있는 요소를 하나씩 발견하는 과정에 가깝다. 첫 번째, 멜로디만 듣지 않는다 평소 좋아하는 노래를 틀어보자. 첫 번째에는 그냥 평소처럼 듣는다. 그리고 두 번째에는 조금 이상한 일을 해보자. 가수를 듣지 않는 것이다. 보컬을 없앨 수는 없지만 의식적으로 보컬 뒤쪽에 있는 소리를 찾아본다. “지금 뒤에서 어떤 악기가 연주되고 있지?” 처음에는 생각보다 어렵다. 보컬은 인간의 목소리이기 때문에 자연스럽게 우리의 주의를 끈다. 하지만 조금 집중하면 피아노가 들리고, 기...

  5회차까지 ii-V-I 진행을 완벽히 익힌 학생이 어느 날 이렇게 물었습니다. "코드는 다 맞게 치는데 왜 제 연주는 클래식 반주처럼 들릴까요?" 정답은 코드가 아니라 리듬의 위치 에 있었습니다. 재즈다운 느낌은 대부분 싱코페이션(당김음) 과 스윙 리듬 에서 나옵니다. 오늘은 코드는 잠시 내려놓고, 같은 음을 어디서 치느냐만 바꿔서 재즈의 흐름을 만드는 법을 다룹니다. 싱코페이션이란? 박자를 살짝 어긋나게 놓는 기술 정박(강박)에 음을 치는 게 클래식적인 감각이라면, 재즈는 그 음을 약박이나 박자 사이 로 슬쩍 옮깁니다. 이걸 싱코페이션이라고 부릅니다. 예를 들어 4박 중 3박에 칠 음을 살짝 앞당겨 "2.5박"에 치면, 같은 멜로디인데도 훨씬 리듬감 있게 들립니다. 스윙 리듬: 8분음표를 똑같이 나누지 않는다 클래식에서 8분음표 두 개는 정확히 반반으로 나뉩니다. 재즈에서는 긴 음 : 짧은 음을 약 2:1 비율 로 나눠서 "쿵-따" 같은 흔들리는 느낌을 만듭니다. 이걸 스윙이라고 부르며, 재즈피아노의 리듬감 대부분이 여기서 시작됩니다. 구분 클래식 감각 재즈 감각 음 위치 정박 위주 약박·엇박 활용 (싱코페이션) 8분음표 분할 1:1 균등 분할 2:1 스윙 분할 느낌 단정하고 반듯함 흔들리고 그루브 있음 제가 레슨에서 가장 많이 고쳐주는 실수 3가지 8분음표를 여전히 정확히 반으로 나눈다 – 코드는 재즈인데 리듬이 클래식이면 어색하게 들립니다. "쿵-따"를 입으로 먼저 말해보고 손으로 옮기는 게 빠릅니다. 싱코페이션을 억지로 넣으려 한다 – 모든 음을 엇박으로 치면 오히려 산만해집니다. 한 마디에 한두 곳만 살짝 당겨도 충분합니다. 템포를 빠르게 해서 리듬을 숨긴다 – 빠르게 치면 어긋난 박자가 티가 안 나서 편하지만, 그러면 스윙 감각이 손에 안 남습니다. 느린 템포에서 정확히 느끼는 연습이 ...

6회차까지 배운 학생들이 자주 하는 오해가 있습니다. "왼손도 코드를 4개 음 다 눌러야 든든하게 들리지 않을까요?" 실제로는 정반대입니다. 재즈 반주에서 왼손은 음을 덜어낼수록 오른손 멜로디와 즉흥연주가 설 자리가 생깁니다. 오늘 배울 쉘 보이싱(Shell Voicing) 은 코드에서 딱 두세 음만 남기는 기법입니다. 얼마 전 한 학생이 레슨 중에 이런 말을 했습니다. "선생님 반주는 음이 적은데 왜 더 꽉 찬 것처럼 들려요?" 저도 처음엔 그 이유를 정확히 설명하지 못했어요. 나중에 곱씹어보니 답은 간단했습니다. 왼손 음이 적을수록 오른손과 왼손이 서로 겹치지 않고 각자의 공간에서 소리를 낼 수 있었던 거예요. 음이 많다고 꽉 차게 들리는 게 아니라, 음들이 서로 부딪히지 않을 때 오히려 더 넓게 들립니다.                                                                                                                                                                         ...

🎼 작곡 입문 마스터 클래스: 음악 이론의 장벽을 허무는 5단계 실전 가이드 우리는 누구나 마음속에 자신만의 선율을 품고 삽니다. 길을 걷다 흥얼거리는 콧노래, 샤워 중에 떠오르는 짧은 리듬 모두가 작곡의 시작입니다. 하지만 이를 '하나의 곡'으로 완성하는 과정에서 많은 이들이 포기하곤 합니다. 작곡은 영감의 산물이기도 하지만, 정교한 벽돌을 쌓아 올리는 건축의 과정이기도 합니다. 본 가이드는 여러분의 머릿속에만 머물던 멜로디를 세상 밖으로 끄집어낼 구체적인 전략을 제시합니다. "작곡을 하고 싶은데 화성학을 다 알아야 할 것 같아서 엄두가 안 나요." 정말 많이 듣는 고민입니다. 그런데 좋은 소식이 있어요. 팝 역사상 가장 많이 쓰인 코드 진행 하나만 알아도, 오늘 당장 곡의 뼈대를 만들 수 있습니다. 바로 1-5-6-4 진행 입니다. 이 글에서는 이 코드 진행이 왜 그렇게 자주 쓰이는지, 그리고 실제로 어떻게 나만의 곡으로 발전시키는지 단계별로 알려드릴게요. 🎹 1-5-6-4가 뭔가요? 숫자부터 이해하기 여기서 숫자는 음계의 몇 번째 음 위에 쌓은 코드인지를 말합니다. C 메이저 스케일(도레미파솔라시)을 기준으로 하면: 1번(I) = 도 위에 쌓은 코드 → C 5번(V) = 솔 위에 쌓은 코드 → G 6번(vi) = 라 위에 쌓은 코드 → Am 4번(IV) = 파 위에 쌓은 코드 → F 💡 Tip : 숫자로 코드를 익혀두면 다른 조성으로 옮겨도(전조) 똑같이 적용할 수 있습니다. 키만 바뀔 뿐 코드 사이의 '관계'는 그대로예요. 🌍 왜 이렇게 많은 히트곡이 이 진행을 쓸까요? 1-5-6-4는 안정(I) → 긴장(V) → 여운(vi) → 다시 살짝 열린 느낌(IV) 의 흐름을 자연스럽게 만들어냅니다. 장조 코드(I, V)와 단조 코드(vi)가 섞여 있어서 밝으면서도 어딘가 애틋한, 대중적으로 가장 호소력 있는 감정선을 만들어냅니다. 그래서 발라드부터...

K-POP은 이제 단순한 음악 장르를 넘어 하나의 글로벌 표준이 되었습니다. BTS, 블랙핑크, 뉴진스 등 수많은 그룹이 빌보드 차트를 점령하는 비결은 화려한 비주얼뿐만 아니라 그 이면에 숨겨진 치밀한 음악적 공학 에 있습니다. K-POP의 본질은 서구 팝의 장르적 특성을 수용하면서도 한국 특유의 역동성과 정교한 프로듀싱 시스템을 결합한 '융합의 예술'입니다. 이 글에서는 K-POP이 전 세계인의 귀를 사로잡은 음악적 비밀을 심도 있게 분석합니다. 1. 전통적 문법을 파괴하는 '역동적 곡 구조' K-POP의 가장 큰 특징은 전형적인 Verse-Chorus 구조를 과감히 탈피한다는 점입니다. 한 곡 안에서 장르가 두세 번씩 바뀌거나, 예상치 못한 구간에서 댄스 브레이크가 등장하는 등 '지루할 틈이 없는 전개'를 보여줍니다. 이는 짧은 시간 안에 강렬한 자극을 원하는 현대인들의 소비 패턴에 최적화된 설계입니다. 인트로에서 아웃트로까지 평균 2~3개의 추가 섹션(Pre-Chorus, Post-Chorus 등)을 배치하여 곡의 밀도를 극한으로 끌어올립니다. 2. 장르의 경계를 허무는 '하이브리드 사운드' K-POP은 특정 장르에 국한되지 않습니다. 힙합의 비트, EDM의 드롭, R&B의 화성, 그리고 신스팝의 질감이 한 곡에 녹아 있습니다. 뉴진스의 'Hype Boy'가 주는 퓨처 베이스의 청량함이나, 에스파의 'Next Level'이 보여준 파격적인 장르 전환은 K-POP이 가진 실험정신을 잘 보여줍니다. 이러한 장르 융합은 전 세계 다양한 문화권의 청취자들이 자신의 취향에 맞는 요소를 발견하게 함으로써 글로벌 접근성을 극대화합니다. 3. 중독성을 설계하는 '킬링 파트'와 후크 K-POP 곡들은 이른바 '킬링 파트(Killing Part)' 라 불리는 중독성 강한 구간을 전략적으로 배치합니다. 의성어나 의태어...

"저 사람은 절대음감이래." 음악을 조금이라도 접해본 사람이라면 한 번쯤 들어봤을 말입니다. 마치 특별한 재능을 타고난 사람만 가질 수 있는 능력처럼 여겨지죠. 그런데 정작 절대음감이 정확히 무엇인지, 상대음감과 뭐가 다른지 물어보면 명확히 답하기 어려운 경우가 많습니다. 오늘은 이 두 가지 음감의 차이와, 각각이 음악 활동에서 어떤 의미를 갖는지 정리해봤습니다. 🎯 절대음감이란 무엇인가요? 절대음감(Absolute Pitch)은 기준음 없이도 어떤 음을 듣는 순간 그 음이 '도'인지 '레#'인지 바로 인식하는 능력입니다. 예를 들어 자동차 경적 소리, 냉장고 모터 소리를 듣고도 "저건 대략 미(E) 음이네"라고 바로 말할 수 있는 정도예요. 흔히 생각하는 것처럼 이 능력은 인구의 극히 일부(연구마다 다르지만 대략 1만 명 중 1명 수준)에게서만 나타나는 것으로 알려져 있습니다. 💡 Tip : 절대음감은 만능이 아닙니다. 화성 진행이나 곡의 전체 구조를 파악하는 능력과는 별개이며, 오히려 조옮김(전조)된 곡을 연주할 때 혼란을 겪는 절대음감 소유자도 있습니다. 🎼 상대음감이란 무엇인가요? 상대음감(Relative Pitch)은 기준이 되는 음을 하나 들었을 때, 그 음과 다른 음 사이의 '간격(음정)'을 파악하는 능력입니다. 예를 들어 '도' 음을 들려주면 그다음에 나오는 음이 도보다 얼마나 높은지, 완전5도인지 장3도인지를 판단할 수 있는 거예요. 대부분의 전문 연주자, 작곡가, 편곡자가 실제로 음악 작업에서 주로 사용하는 능력이 바로 이 상대음감입니다. 절대음감 기준음 없이 음 이름을 즉시 인식. 희귀하며 주로 어린 시기(4~6세) 훈련이 형성에 중요하다는 연구가 많음. 상대음감 기준음 대비 음정 간격을 인식. 나이와 무관하게 훈련으로 꾸준히 향상 가능하며 실전 음악 활동에 더 널리 쓰임. 🧬 타고나...

제가 레슨을 하다 보면 신기하게도 4회차까지는 잘 따라오던 학생들이 꼭 이 지점에서 손이 굳습니다. 코드 이름은 외웠는데 막상 진행 안에서 스케일을 바꿔가며 연주하려니 머리와 손이 따로 노는 거죠. ii-V-I 진행 은 재즈 스탠다드의 80% 이상 에서 등장하기 때문에, 여기서 막히면 이후 진도 전체가 늘어집니다. 오늘은 이론뿐 아니라 제가 학생들에게 실제로 쓰는 연습 순서까지 그대로 공유합니다. ii-V-I 진행이란? 재즈의 DNA C 메이저 키를 기준으로 세 개의 코드로 구성됩니다. 단계 코드 구성음 성격 ii Dm7 D–F–A–C 준비, 차분함 V G7 G–B–D–F 긴장, 기다림 I Cmaj7 C–E–G–B 해결, 안정 제가 레슨에서 가장 많이 고쳐주는 실수 3가지 템플릿처럼 이론만 나열하지 않고, 실제로 학생들이 어디서 막히는지부터 짚고 넘어가겠습니다. 왼손 루트 이동을 너무 크게 움직인다 – 옥타브를 오가며 헤매는 경우가 많습니다. D-G-C는 인접한 음이니 손을 크게 움직일 필요가 없습니다. 스케일을 코드가 바뀌기 전에 미리 준비하지 않는다 – Dm7에서 G7으로 넘어가는 순간 머뭇거리는 게 대부분입니다. 코드가 바뀌기 반 박자 전부터 다음 스케일을 생각하는 연습이 필요합니다. Mixolydian과 메이저 스케일을 헷갈린다 – 딱 한 음(7음)만 다른데, 이게 도미넌트의 긴장감을 만드는 핵심이라 정확히 짚어야 합니다. 15분 실전 연습 루틴 🎹 기본 세팅 (C 메이저 키) 1단계 (3분) 왼손 루트만 D→G→C 반복 2단계 (4분) 왼손 루트 + 오른손 코드톤 아르페지오 3단계 (4분) 코드마다 해당 스케일 상행·하행 4단계 (4분) 스케일 안에서 간단한 즉흥 멜로디 만들기 재즈 화성 이론에 대한 좀 더 깊이 있는 배경이 궁금하시면 위키백과 재즈 화성 항목 도 함께 참고하시면 도움이 됩니다. 🎤 마무리 ...

레슨을 하다 보면 마이너7 코드가 나오는 순간 다들 습관적으로 자연 단음계(Natural Minor) 부터 떠올립니다. 틀린 건 아니지만, 그렇게 연주하면 소리가 지나치게 무겁고 어두워져요. 재즈에서 마이너7 코드 위에 실제로 쓰이는 스케일은 도리안 스케일(Dorian) 입니다. 딱 한 음 차이인데, 이 한 음이 재즈다운 색채를 만듭니다. 오늘은 그 한 음이 왜 중요한지부터, 손으로 익히는 순서까지 정리합니다. 도리안 스케일이란? 마이너와 메이저 사이의 색채 도리안은 자연 단음계의 6번째 음을 반음 올려 만든 음계입니다. 음계 D 기준 구성음 6번째 음 느낌 D Dorian D-E-F-G-A-B-C-D B (자연음) 밝고 세련됨 D Natural Minor D-E-F-G-A-B♭-C-D B♭ (♭6) 어둡고 무거움 제가 레슨에서 가장 많이 고쳐주는 실수 3가지 6번째 음을 자기도 모르게 B♭로 친다 – 손에 익은 클래식 마이너 습관 때문입니다. B와 B♭를 번갈아 치면서 귀로 먼저 구별하는 연습이 필요합니다. 스케일만 외우고 코드와 연결하지 않는다 – 스케일을 상행·하행만 반복하면 실전에서 못 씁니다. 반드시 왼손 Dm7 코드 위에서 연습해야 합니다. 모든 마이너 코드에 도리안을 무조건 적용한다 – 곡의 맥락에 따라 다른 마이너 스케일이 쓰이는 경우도 있습니다. 지금 단계에서는 Dm7, Em7, Am7 같은 일반적인 ii도 코드에서만 적용하시면 됩니다. 15분 실전 연습 루틴 🎹 D Dorian + Dm7 1단계 (3분) 오른손 D Dorian 상행·하행 반복, 템포 60~80 BPM 2단계 (4분) 왼손 Dm7 루트 + 오른손 도리안 반복하며 밝은 색채 익히기 3단계 (4분) 왼손 Dm7 코드 + 오른손 즉흥 멜로디 시도 4단계 (4분) B와 B♭ 번갈아 치며 6도 차이 귀로 확인 모드(Mode) 스케일 전반에 대한 배경 이론은 위키백과 교회선법 항...

학생 한 분이 예전에 G7 코드를 치고 나서 "선생님, 이거 왜 이렇게 뭔가 찜찜해요?"라고 물은 적이 있습니다. 정확한 표현이었어요. 도미넌트7 코드 는 원래 그렇게 설계된 코드입니다. 메이저7이 평화로운 장면이라면, 도미넌트7은 "그런데 말이야…" 라고 이야기를 한 번 틀어놓는 장면이에요. 오늘은 그 찜찜함의 정체와, 그걸 해결로 끌고 가는 방법을 다룹니다. 도미넌트7은 왜 "긴장의 코드"일까? G7은 G-B-D-F로 이루어지는데, 루트(G)와 7음(F) 사이가 단7도 관계라 귀에 안정적으로 들리지 않습니다. 그래서 이 코드는 다음 코드로 해결되고 싶어 하는 욕구 를 내장하고 있습니다. 재즈 진행의 80% 이상이 이 긴장-해결 구조 위에서 만들어집니다. 오늘 꼭 익혀야 할 도미넌트7 코드 4가지 코드 구성음 주로 해결되는 코드 G7 G-B-D-F Cmaj7 D7 D-F#-A-C Gmaj7 C7 C-E-G-B♭ Fmaj7 A7 A-C#-E-G Dm7 제가 레슨에서 가장 많이 고쳐주는 실수 3가지 긴장감을 없애려고 한다 – 도미넌트7이 불안정하게 들리는 건 정상입니다. 이걸 편하게 만들려고 코드를 바꾸지 말고, 그대로 느끼는 연습이 먼저입니다. 해결 코드로 너무 빨리 넘어간다 – 긴장을 충분히 느끼기 전에 서둘러 넘기면 감각이 안 생깁니다. G7을 4박 이상 유지하며 찜찜함 자체를 들어보세요. 도미넌트7을 전부 같은 소리로 인식한다 – G7, D7, C7, A7은 해결되는 방향이 다 다릅니다. 각각 어디로 흘러가는지 구분해서 연습해야 합니다. 15분 실전 연습 루틴 🎹 긴장-해결 집중 연습 1단계 (2분) G7을 천천히 누르고 긴장감 그대로 느끼기 2단계 (3분) G7 → Cmaj7 연결하며 해결감 체험 3단계 (3분) D7 → Gmaj7, C7 → Fmaj7 진행 연습 4단계 (4...

재즈피아노를 처음 배우는 분들이 가장 자주 하는 질문이 있습니다. "왜 같은 도(C) 코드를 쳐도 어떤 사람은 재즈처럼 들리고, 나는 그냥 코드 연습처럼 들릴까요?" 정답은 생각보다 멀리 있지 않습니다. 바로 메이저 코드와 메이저7 코드의 차이 에서 시작됩니다. 이 코드 하나만 제대로 눌러도 벌써 재즈다운 첫인상 이 만들어집니다. 메이저 코드와 메이저7 코드는 무엇이 다를까? 기본 메이저 코드는 1도, 3도, 5도로 이루어집니다. C코드는 C-E-G입니다. 여기에 7도인 B를 추가하면 Cmaj7, 즉 C-E-G-B가 됩니다. 일반 메이저 코드는 밝고 단정한 느낌이라면, 메이저7 코드는 거기에 여운과 세련됨 이 더해집니다. 조명에 비유하면, 메이저 코드는 환한 조명이고 메이저7은 은은한 간접등이 더해진 상태입니다. 오늘 꼭 익혀야 할 메이저7 코드 4가지 코드 구성음 느낌 Cmaj7 C-E-G-B 가장 선명한 기본 Fmaj7 F-A-C-E 포근하고 넓음 B♭maj7 B♭-D-F-A 색감이 풍부해짐 E♭maj7 E♭-G-B♭-D 성숙한 발라드풍 제가 레슨에서 가장 많이 고쳐주는 실수 3가지 코드를 빠르게 치려고 한다 – 메이저7은 속도보다 울림이 중요합니다. 누른 뒤 소리가 퍼지는 걸 끝까지 들어보세요. 검은 건반이 들어간 코드를 피한다 – B♭maj7, E♭maj7을 부담스러워하는 분이 많은데, 오히려 검은 건반이 있으면 손 모양이 더 자연스럽게 잡히는 경우가 많습니다. Cmaj7과 C코드를 구별하지 않고 넘어간다 – 두 코드를 번갈아 치며 차이를 귀로 확인하는 과정 없이 넘어가면 메이저7의 질감이 손에 남지 않습니다. 10분 실전 연습 루틴 🎹 메이저7 질감 익히기 1단계 (1분) Cmaj7, Fmaj7, B♭maj7, E♭maj7 각각 천천히 눌러 비교 2단계 (3분) 각 코드를 한 음씩 풀어 치며 코드톤 익히기 3단계...